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«  J’avais cette passion pour la peinture qui était vraiment plus forte que tout. » Guillaume Bresson revient de loin. Inconditionnel de la peinture figurative dès son adolescence, il force cette voie contre vents et marées à une époque où cette technique est conspuée. Rencontrant des critiques dubitatives à ses débuts, il récolte des louanges au fil des expositions. Avec, entre autres, une retrospective remarquée au château de Versailles, 2025 s’impose comme la consécration de cet artiste hors catégorie installé à New York depuis dix ans.

Il vient de recevoir le prix Transfuge de « l’artiste de l’année ». Cette récompense, décernée par un organe de presse parisien des plus intellectuels (s’y côtoient critiques du Masque et la Plume, écrivains et éditeurs du sérail), de quoi faire sourire le jeune grapher « sans culture » débarqué de sa Toulouse natale il y a à presque 30 ans. Nous le rencontrons, désormais heureux new-yorkais, à Union Square, entre le greenmarket et le café du W hôtel, pour évoquer cette trajectoire singulière.

De Toulouse à Paris, des graffitis aux Beaux-Arts

Durant son cursus, le Toulousain s’isole, se passionne pour les collections du Louvre et construit avec obstination ce qui va devenir sa marque de fabrique : des œuvres engageant des figures en tension les unes avec les autres, dans un traité emprunté au grands maîtres du Baroque. 

Une thérapie par les œuvres: Bourdieu à la rescousse

Libéré de tout frein, Bresson acquiert très rapidement la reconnaissance du milieu artistique. Après son cursus au Beaux-Arts de Paris, il passe deux ans à Berlin puis enchaine les expositions solo et les résidences d’artiste à New York et Los Angeles. L’écrivain Edouard Louis (lui aussi confronté au choc social lors de sa venue à Paris), lui fera découvrir notamment la « distanciation » de Pierre Bourdieu. Cette lecture confortera le Toulousain dans sa quête artistique et l’aidera à ne pas subir « l’idéologie du champ de l’art de cette époque-là ».

Le temps et le corps pour des œuvres chorégraphiques

Si Guillaume Bresson aime s’isoler, son travail commence toujours par une phase de socialisation. Il réunit ses modèles pour les prendre en photo : « des amateurs, des gens que je rencontre, dit-il, pas des danseurs, pas des professionnels du corps ». Il travaille alors avec eux à l’élaboration de mouvements « ça peut être des mouvements très minimalistes, ça peut être des mouvements bas, des mouvements hauts, des mouvements rapides, des mouvements lents. » Il suit ainsi « une logique qu’il y a dans les arts vivants, une logique de chorégraphe ». En utilisant les clichés issus des séance photos, il compose ensuite la scène qui, si elle n’est pas narrative, reflète malgré tout les tensions en jeu entre les individus. Il nous décrit son intention  : « cela représente des relations, des relations sociales, des relations au monde, des relations entre des gens, entre des gens et un décor. »

Pour la phase finale des tableaux, il retrouve la solitude qu’il apprécie tant. L’acte de peindre le plonge dans un état méditatif, il lui permet de « se dégager complètement de l’idée du temps, du temps qui passe ». Il confie que ce temps qui s’échappe est sans doute à l’origine de son « addiction » de son « obsession pour la peinture ». Le temps du pinceau s’étire alors, un grand format est réalisé en pas moins de 6 mois. Sur une année il produit donc peu d’œuvres, il a su construire une relation solide avec la galerie Nathalie Obadia, qui accepte ce tempo pas totalement conforme à la frénésie du marché de l’art. 

Le tableau brulé de Los Angeles: impensable

Parmi les œuvres d’envergure du New-Yorkais d’adoption, une toile de très grand format, possédée par un mécène français, est littéralement partie en fumée, en janvier 2025, lors des incendies de Pacific Palissade, à Los Angeles. Guillaume Bresson nous confie son désarrois : « Il y avait déjà une sorte de surprise. Je ne pensais pas que c’était possible. C’est plus d’une année de travail de ma vie qui brûle en cinq minutes. Il y a un temps très rapide de l’incendie qui vient percuter le temps long du tableau. » L’artiste a contacté alors le propriétaire dans l’espoir que des fragments de l’œuvre soient récupérables mais « il ne restait rien, même pas le châssis en aluminium. »

New York, le lieu de toutes les libertés, surtout celle de vivre caché

Le peintre ne se réclame d’aucun microcosme. Il a quitté Toulouse pour Paris où il a découvert une forme de liberté mais, à peine célébré par ses pairs, il veut fuir à nouveau. Ce sera New York. Même s’il n’y était venu qu’une fois en vacances, il s’était dit : « c’est là que je voudrais vivre. »

Il passe à l’acte en 2016. « Arriver ici, confie-t-il, c’était comme arriver dans une sorte de terrain vierge où je n’avais aucune connaissance, je ne connaissais personne, je ne parlais même pas anglais. » Il cultive cette solitude durant trois ans et peint suivant une routine inlassable. Après la pandémie du Covid il s’installe dans le quartier de Greenpoint à Brooklyn, s’entoure d’amis, participe à des projets qui n’ont rien à voir avec l’art comme le lancement d’un bar à vin dans son quartier.

Surtout, il poursuit, à l’abri des regards, ses différents travaux au long cours : parmi ceux-ci une toile sur les danseurs de la ligne L du métro new-yorkais, ceux qui enflamment les réseaux sociaux avec leur pole dance mêlée de breakdance. Il travaille aussi sur « une série de tableaux de gens photographiés dans des Ehpad en Picardie. » Une œuvre plus politique qu’à son habitude « pour montrer cet environnement et ces gens qui sont un peu invisibilisés aujourd’hui ». À lui la vie discrète et heureuse. Une production de quelques tableaux par an lui « permet de vivre à New York tranquillement. Mais, il concède que ça ne vient pas vraiment épouser les logiques du marché de l’art américain. »

Se lancer avec une galerie au États-Unis ? Pas pour l’instant. « Sachant la dureté du marché américain, il faut faire tant de chiffres d’affaires pour rester dans la galerie et si une expo ou deux ne marchent pas, on se fait dégager. Donc, dit-il, il faudrait arriver à trouver une galerie qui accepte complètement mon temps de travail. »

De grands projets pour Paris

Pour l’instant, la vie de Guillaume Bresson se répartit entre son travail d’atelier à New York et les nombreux projets en France. 2026 s’annonce d’ailleurs enthousiasmante. L’église Saint-Eustache lui a confié la réalisation d’une œuvre religieuse, « l’Apothéose de Saint Eustache », qui viendra faire pendant au « Martyre de Saint Eustache » peint au XVIIe siècle par Simon Vouet. « Je n’ai jamais fait de peinture religieuse, et surtout je n’ai jamais peint d’après une histoire. »

Une exposition organisée à la galerie Obadia devrait montrer, en juin, les études préparatoires à ce projet. Et dans une perspective plus lointaine, Guillaume Bresson travaille, en partenariat avec l’architecte Enia au décor de la station « Stade de France » du Grand Paris. Il a 5 ans pour y réaliser « Le Parnasse de Saint-Denis » une fresque géante de 200 mètres carrés. À propos de cette œuvre, il affirme : « elle devrait représenter la culture, l’identité de la ville de Saint-Denis : les Rois de France, le XIXe siècle ouvrier, le côté industriel et aussi la naissance du hip-hop en France, moi ça me touche parce que ce sont un peu mes origines aussi, donc le graph, le breakdance et tout ça mis ensemble dans une sorte de grande composition qui s’approche de la chapelle Sixtine, c’est un projet un peu fou. »